Las primeras vanguardias
El término vanguardismo (del francés avant-garde),
término del léxico militar que designa a la parte más adelantada del ejército,
la que forma la «primera línea» de avanzada (en exploración y combate), se
utilizó posteriormente para denominar, en el terreno artístico, las
llamadas vanguardias históricas,
una serie de movimientos artísticos de principios del siglo XX que
buscaban innovación en la producción artística.
Desde
el Romanticismo, las vanguardias son modelo de ruptura que surgen en un campo
cultural constituido y que transforman sus convenciones.
El
cambio se manifiesta como tensión entre formas artísticas nuevas y formas
caducas.
Las
llamadas vanguardias históricas, que irrumpen dentro de los años veinte,
plantean una relación problemática entre la función del arte y el sistema de
valores de la sociedad moderna.
"Impression Soleil Levant"
Tomando el modelo de la pintura, la música o la poesía, los films vanguardistas cuestionan el modo de representación cinematográfica (inspirado en la narración realista del siglo XIX y el drama burgués) que, a partir de Griffitth, se había vuelto dominante.
"Esto no es una pipa"
Ese es el título de uno de los cuadros más conocidos del pintor surrealista belga René Magritte. Esta obra pertenece a la
serie 'La traición de las imágenes', en la que el autor provoca a la
inteligencia del espectador planteando una contradicción entre lo que ve y lo
que se lee.
El cuadro describe una pipa. Magritte pintó bajo la pipa:
«Ceci n'est pas une pipe» (Esto no es una pipa).
El cuadro no es una pipa, sino
una imagen de una pipa. Como Magritte dijo: «La famosa pipa. ¡Cómo la gente me
reprochó por ello! Y sin embargo, ¿se podría rellenar? No, sólo es una
representación, ¿no lo es? ¡Así que si hubiera escrito en el cuadro "Esto
es una pipa", habría estado mintiendo!» (citado en Harry Torczyner,
Magritte: Ideas and Images, p. 71).
"Impression Soleil Levant"
Impression Soleil
Levant (Impresión, sol naciente -en francés: Impression, soleil levant- 1872)
de Monet es un título fundador (del impresionismo).
"El paisaje no es
otra cosa que una impresión, una impresión instantánea , de ahí el título , una
impresión que me dio. He reproducido una impresión en Le Havrem, desde mi
ventana, sol en la niebla y unas pocas siluetas de botes destacándose en el
fondo... me preguntaron por un título para el catálogo, no podía realmente ser
una vista de Le Havrem y dije "pongan impresión"
Claude Monet
El principal objetivo al que intentaba llegar Monet con esta
obra es provocar una impresión en el espectador, por lo que nos encontramos con
la importancia que se atribuye al espectador en el impresionismo. Las
pinceladas son un tanto libres, rápidas y directas, reduciendo los elementos
del cuadro a una simplificación aparente, tal y como se contempla en los
reflejos del agua.
"Cuadro blanco sobre fondo blanco"
"Cuadro blanco sobre fondo blanco" de Kasimir Malevich es una de las obras más sencillas y sobrias de la historia
del arte podría hallarse un mensaje de gran simbolismo acerca del valor de la
libertad de ser.
Se denominó como suprematismo al movimiento pictográfico- y artístico en general- orientado hacia la
representación de las formas geométricas básicas, principalmente el círculo y
el cuadrado.
Este movimiento se inició en Rusia en 1915 y su fundador fue el
pintor Kasimir Malevich (1878-1935). El suprematismo-
el cual apareció de manera simultánea al
constructivismo- partía justamente de las ideas de Malevich, entusiasta
promotor de la arte no figurativo y en especial, de la abstracción geométrica.
La intención principal del suprematismo era ir en contra de las manifestaciones artísticas
convencionales, investigando las posibilidades expresivas- y fomentadoras de la
sensibilidad- de la nada y la representación de una realidad sin objetos.
Malevich culminó el movimiento del suprematismo con la obra Cuadrado blanco sobre fondo blanco (1918),
la cual se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Esta composición
no exhibe nada más que lo que su título nos comenta: un cuadrado blanco
distinguiéndose, por una sutil variación de tonalidad, de un fondo níveo. ¿Cómo
comprender el sentido de una pintura tan sobria? Podría pensarse que se trata
de una irónica manifestación por parte de Malevich, en contra de los cánones
estéticos de la pintura figurativa, y la manera en la que se la contempla en
los museos y galerías. Sin embargo, aquí se desea resaltar el valor simbólico
que exponen los dos elementos esenciales de esta representación: la figura
geométrica del cuadrado y el color blanco.
"Juzgue"
Juzgue de Xul Solar: La crisis alemana de posguerra llega a su clímax en 1.923
con la alucinante híper inflación. En esa época, el gobierno socialista de
Federico Ebert creyó que podía imprimir ilimitadamente billetes de banco con
los cuales cubrir el déficit de las industrias estatizadas (ferrocarriles,
teléfonos, etc.) y saldar alegremente las deudas del Estado.
Este dibujo parece más bien una máquina impresora de dinero;
y los números parecen indicar la pérdida progresiva del valor del dinero. Si
bien la causa fueron las políticas poco prudentes, se culpó de ello a los
judíos; se ve la estrella de Davíd en un extremo. Esta hecatombe se produce precisamente por el EGO de
Alemania.
Así, el lenguaje se fija en una imagen. Depende de ella, aunque
la desmienta, como en el célebre Esto no es un pipa de Magritte. Describir
aquello de lo que trata la obra no es decir lo que significa y lo que significa
no depende del título.
Los films vanguardistas
Tomando el modelo de la pintura, la música o la poesía, los films vanguardistas cuestionan el modo de representación cinematográfica (inspirado en la narración realista del siglo XIX y el drama burgués) que, a partir de Griffitth, se había vuelto dominante.
En la mayoría de los films no se puede hablar de vanguardias específicamente
cinematográficas: se trata de músicos, fotógrafos, pintores o escritores que
ven en el cine un instrumento de experimentación para romper con ciertas formas
anquilosadas, pero -por lo general – sin una vocación cinematográfica
perdurable.
No
obstante, sus aportes sirvieron para debatir profundamente acerca del lenguaje
del cine y para proponer modelos de representación alternativos.
En
cuanto al cine, se diferencian tres etapas en el movimiento vanguardista. En
primer lugar, se encuentra el cine
impresionista, representado por Abel Gance y René Clair.
En segundo lugar está el cine
surrealista francés y el cine
abstracto alemán. Por último, se halla el cine independiente o documental.
- Impresionismo- Este estilo valora el naturalismo, el estilo
directo, e ir más allá de los esquemas melodramáticos. El cine
impresionista fue llamado así porque los autores pretendían que la
narración representara la conciencia de los protagonistas, en otras
palabras, su interior. Otorgan importancia a la emoción y a la narración
psicológica, la expresión de sentimientos y los estados de ánimo de los
personajes. Destacan en este ámbito los siguientes autores: Henri Chomette, Marcel L'Herbier, Germanie Dulac y Jean Epstein.
Entre 1918 y 1929 se desarrolla en Francia un movimiento
cinematográfico orientado a la búsqueda y la experimentación de nuevas
soluciones estético-formales. Liderados por Louis Delluc, este movimiento, al
que años mas tarde Henri Langlois bautizaría como impresionista –debido “a sus analogías y oposiciones con el
expresionismo alemán”-, propone desde la teoría y sustenta con la praxis un
replanteamiento de las posibilidades plásticas de la imagen fílmica.
Basados en historias simples y respetando el modo narrativo
convencional, sus films son innovadores en lo que respecta al tratamiento psicológico de los personajes,
la subjetivación de las imágenes, la composición de climas y ambientes y el
manejo poético de la luz.
Se basan en gran parte sobre la teoría de Delluc de la fotogenia, expuesta en su libro Photogénie de 1920.
La
fotogenia es la percepción fílmica
del objeto filmado, una percepción que difiere de la del objeto real, pues está
mediatizada por la expresividad inmanente a la técnica cinematográfica.
Con el fin de potenciar el efecto
fotogenia, los cineastas impresionistas se valen de recursos tales como lentes
curvas, flou ópticos, sobreimpresiones múltiples, filtros, telas texturadas,
cámara lenta y cámara subjetivas.
La roue (1922, dir. Abel Gance)
Cœur Fidèle - Jean
Epstein
Napoleón (1923/27, dir. Abel Gance)
Napoleón, encarna la apoteosis del impresionismo, por otro representa un agudo
síntoma de agotamiento del estilo impresionista.
El estreno se hizo en la ópera de
París el 7 de Abril de 1927 y fue un film tan revolucionario como su
protagonista. El Napoleón de Abel Gance contenía tantos avances visuales que
nunca ha sido sobrepasado por ninguna otra película. Su clímax se presentaba en
un sistema de tres pantallas llamado Polyvision, una innovación técnica
que se avanzaba treinta años a lo que hoy conocemos por Cinerama o formato
Widescreen. Abel Gance explicó que al final del film, el público se puso de pie
extasiado. "Conocí a un banquero en la salida que me contó que una mujer
se tiró a sus brazos y abrazándole dijo: Es demasiado bonito para expresarlo en
palabras. Tengo que besar a alguien". Entre el público se encontraba un
joven oficial llamado Charles de Gaulle junto a su amigo André Malraux
"Malraux -me contó De Gaulle- se levantó, abrió en alto sus brazos en el
aire y empezó a gritar: ¡Bravo!, ¡Tremendo!, ¡Magnífico!" Ninguno de ellos
olvidó la película.
En 2012, los estudios Zoetrope comandados por Francis
Ford Coppola y Carmine Coppola han conseguido restaurar la versión más
completa que se ha visto (casi 4 horas de duración) de la película incluyendo
una nueva banda sonora a cargo de Carmine Coppola, que al contrario de muchas
composiciones actuales de películas mudas, es una banda sonora magnífica y
perfectamente adecuada a la película. Una de las películas favoritas de Coppola
que ha contado con la inestimable colaboración del restaurador Robert A. Harris
como supervisor de las tareas de restauración.
Link Trailer Napoleón restaurado
Link Trailer Napoleón restaurado
- Surrealista- Combina la imagen, con la búsqueda de
sensaciones y la expresión de sentimientos. Predominan imágenes absurdas
que rompen con la lógica temporal. El surrealismo
se presenta como un medio de liberación del espíritu y una revolución que
ataca al orden lógico, estético y moral. Así mismo, ataca los pilares de
la sociedad burguesa y sus valores incuestionados. Se trata de hacer valer el lado oscuro de la vida, como el azar,
lo esotérico y lo onírico, de forma que la realidad se define por el sueño
libre y por la imaginación del subconsciente.
Las dos películas de referencia del cine surrealista
son Un perro andaluz (1929) y La edad de
oro (1930), ambas dirigidas
por Luis Buñuel, en colaboración con el pintor surrealista
catalán, Salvador Dalí.
Un chien andalou - Un perro andaluz (1929)
DIRECTOR: Luis Buñuel. /GUIÓN:
Luis Buñuel, Salvador Dalí.
SINOPSIS: Filme surrealista, todo un clásico del cine de arte y ensayo, una obra única y de culto, fruto de la poderosa imaginación de dos jóvenes mentes -Buñuel tenía 29 años y Dalí 25- poseedoras de un talento tan singular como genial.
Según declaraciones del propio Luis Buñuel, "Un perro andaluz fue un film antivanguardista, nada tenía que ver con la vanguardia cinematográfica de entonces. Ni en el fondo ni en la forma (...) también se iba a llamar "Es peligroso asomarse al interior" y "El marista en la ballesta". Escribimos el guión en menos de una semana, siguiendo una regla muy simple: no aceptar idea ni imagen que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural (...) hubo 40 ó 50 denuncias en la comisaría de policía de personas que afirmaban que había que prohibir la película por obscena y cruel. Entonces comenzó una larga serie de insultos y amenazas que me ha perseguido hasta la vejez (...) Adoro los sueños, aunque mis sueños sean pesadillas y eso son las más de las veces. Están sembrados de obstáculos que conozco y reconozco. Esta locura por los sueños, que nunca he tratado de explicar, es una de las inclinaciones profundas que me han acercado al surrealismo. "Un chien andalou" nació de la convergencia de uno de mis sueños con un sueño de Dalí."
SINOPSIS: Filme surrealista, todo un clásico del cine de arte y ensayo, una obra única y de culto, fruto de la poderosa imaginación de dos jóvenes mentes -Buñuel tenía 29 años y Dalí 25- poseedoras de un talento tan singular como genial.
Según declaraciones del propio Luis Buñuel, "Un perro andaluz fue un film antivanguardista, nada tenía que ver con la vanguardia cinematográfica de entonces. Ni en el fondo ni en la forma (...) también se iba a llamar "Es peligroso asomarse al interior" y "El marista en la ballesta". Escribimos el guión en menos de una semana, siguiendo una regla muy simple: no aceptar idea ni imagen que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural (...) hubo 40 ó 50 denuncias en la comisaría de policía de personas que afirmaban que había que prohibir la película por obscena y cruel. Entonces comenzó una larga serie de insultos y amenazas que me ha perseguido hasta la vejez (...) Adoro los sueños, aunque mis sueños sean pesadillas y eso son las más de las veces. Están sembrados de obstáculos que conozco y reconozco. Esta locura por los sueños, que nunca he tratado de explicar, es una de las inclinaciones profundas que me han acercado al surrealismo. "Un chien andalou" nació de la convergencia de uno de mis sueños con un sueño de Dalí."
Según Noel Burch, se trata
del primer film en la historia que incorpora la agresión como componente
estructural.
Pone en escena algunos tópicos del surrealismo: el amour fou (amor
loco), el deseo y la represión, la crítica a la moral burguesa, la lógica onírica,
la asociación de imágenes inconexas, las relaciones insólitas, la resistencia a
cualquier significación que fije su sentido poético.
EL DADAISMO Y EL SURREALISMO
Buñuel, Man Ray, René Clair y Dunchamp,
apuntan sus dardos contra la vieja burguesía.
Por David Oubiña
Contra las convenciones burguesas, contra la institución del arte
tradicional o contra el modelo de la narración clásica sistematizado por
Griffith, el movimiento Dada y el Surrealismo desplegaron una furia iconoclasta
que luego el cine extrañará muy a menudo. Surgido en Zurich durante la guerra,
el movimiento Dada pretendía elevar el escándalo a la categoría de forma
artística.
Promovía la espontaneidad, la provocación, el encuentro de todas las
contradicciones. Su único Dogma es la
abolición de todo Dogma. El arte ya no debería ser una institución, sinó un
acto de creación libre, caótico, fugaz y subversivo.
- Cinéma
Pur- (Años 20) Corriente francesa, que se centra en los elementos
puros del arte cinematográfico, como la forma, el movimiento, el campo
visual y el ritmo.
Marcel Duchamp - Anemic Cinema
Los Nazis destruyeron la versión sonora de este film
de arte desesperado. Esto muestra que los objetos también pueden revelarse
contra el régimen que los sometió.
Película Dadá 1928 , del director Hans Richter.
L'Etoile de Mer (1928,Man Ray) La estrella de
mar
Dirigida por Jean Cocteau y financiada por Charles de
Noailles.
- Cine
expresionista alemán-(1905)
Grupo de producciones en contraste con el impresionismo en pintura, en el
que prima la expresión subjetiva sobre la representación objetiva de la
realidad. Es el cine que se realiza en la Alemania de
Weimar.
Tras la Primera Guerra Mundial, Alemania naufraga
entre el costo económico-político derivado de la firma del Tratado de Versalles
y la institución de la República de Weimar, en 1919.
Son tiempos oscuros, pero el saldo de la guerra se
cristaliza en dos hitos capitales para la cinematografía alemana: la consolidación de la industria y la
aparición del movimiento expresionista.
Cerradas las fronteras del cine enemigo, Alemania
incentiva la producción de sus propios films. En 1917 surge (mediante la unión
de industriales, militares y burgueses poderosos) la Universum Film Aktiengesellschaft (UFA)
La
estética expresionista
El cine expresionista se nutre de temas provenientes
del Sturm und Drang (en español: tormenta y pasión) fue un movimiento literario, que también
tuvo sus manifestaciones en la música y las artes visuales,
desarrollado en Alemania durante la segunda mitad del siglo XVIII, y
del romanticismo como filosofía idealista y su culto a la individualidad.
Historias fantásticas de locos, autómatas, asesinos y vampiros, mundos
interiores plagados de miedo y la eterna pugna entre el pecaso y la virtud.
Se aprecia la expresión de sentimientos y la emoción
por encima de la representación de la imparcialidad; para ello se utilizaba la
deformación de las cosas, el mundo interior, la angustia y las alucinaciones
del artista.
Metrópolis, de 1927.
A su trabajo monumental del espacio se unen el perfecto manejo de la luz, las masas humanas y la confrontación entre dos mundos en donde se interroga el valor de la autonomía del individuo.
A su trabajo monumental del espacio se unen el perfecto manejo de la luz, las masas humanas y la confrontación entre dos mundos en donde se interroga el valor de la autonomía del individuo.
METRÓPOLIS REFUNDADA
Sorpresivamente, en junio de 2008 la arqueología
cinematográfica estaba en los titulares de todo el mundo: las escenas de Metrópolis
(1927, Fritz Lang) que no se habían visto por más de ocho décadas y ya se
daban por perdidas, habían reaparecido en la ciudad de Buenos Aires.
El documental argentino Metrópolis refundada
Trata sobre el azaroso camino de la copia íntegra que
llega a la Argentina en 1928, descubriendo la compleja historia detrás de
una película que construyó parte de su leyenda en las distintas versiones en
que vio la luz debido a las múltiples mutilaciones y “enriquecimientos” que
sufrieron las copias y que hicieron de la concepción original de Fritz Lang un
interrogante.
Metrópolis refundada cuenta con los testimonios de los artífices de este hallazgo
(Fernando Martín Peña y Paula Félix-Didier) y de personajes claves en la
búsqueda del film original, como el historiador y restaurador Enno Patalas, así
como de numerosos especialistas que contribuyen con su testimonio a la
reconstrucción de un capítulo importante no sólo del cine mundial, sino de la
historia que la Argentinamantuvo con el cine.
Remate alternativo: expone los puntos de giro que
determinaron la suerte de esta película a lo largo de 80 años.
Esta historia vampírica, sirve de excusa para jugar la
puesta expresionista de la naturaleza y cuestionar en sus personajes el
estatuto del héroe.
Junto
a estos movimientos ligados a las vanguardias históricas de principios del
siglo XX existen otras manifestaciones cinematográficas, entre las que cabe
destacar:
- Cine Ojo- (Años 20) Teoría cinematográfica creada por el
documentalista soviético Dziga
Vertov. Las características
principales son la objetividad, el rechazo al guion a la puesta en
escena, a los decorados, a los actores profesionales, y la
utilización de la cámara como ojo humano. Uso del montaje para unificar los
fragmentos extraídos de la realidad.
A la manera del Kino-Nedelia (cine-semana) producido
en Francia en 1928 por Pathé y Gaumont, Dziga Vertv, nombre futurista de Dionisius
Arkadievich Kaufman, funda y dirige cuatro años después el noticiero de
actualidades Kino-Pravda (cine-verdad), serie que continua hasta 1925, donde
experimenta el método del cine-ojo que propone el montaje del yo-veo.
- Montaje de Atracción. (Sergei
Mijailovic Eisenstein, 1923)
Fuertemente influidos por las películas de Griffith,
los principales exponentes del montaje soviético proponen una noción distinta
del cine-espectáculo asignando un papel activo al receptor. Sergei Eisenstein
(1898 – 1948) profundizará estas diferencias con su teoría del montaje de
atracción.
ATRACCIÓN (o “excitante estético”): todo momento
agresivo del espectáculo realizado a través de impactos
estéticos, es decir, todo elemento que someta al espectador a una
acción sensorial y/o psicológica calculada para obtener determinadas
conmociones emotivas, conmociones que le conducen a una conclusión ideológica
(de las ideas).
La atracción es el elemento primario de la construcción del espectáculo y sobre ésta se funda la eficacia del teatro o del cine: puede tratarse de atracciones independientes, arbitrarias, pero CON UNA ORIENTACIÓN QUE CONDUCE A UN EFECTO TEMÁTICO.
La atracción es el elemento primario de la construcción del espectáculo y sobre ésta se funda la eficacia del teatro o del cine: puede tratarse de atracciones independientes, arbitrarias, pero CON UNA ORIENTACIÓN QUE CONDUCE A UN EFECTO TEMÁTICO.
Donde el TEMA es el ALMA DEL FILME, su CÓDIGO GENÉTICO, aquello que hace que un filme sea lo que es. Impone una LEY INTERPRETATIVA.
El tema está lleno de conflictos internos, de tensiones dialécticas, y el montaje los pone en evidencia. Podemos visualizarlo así:
Tesis + antítesis = síntesis
Desde la imagen a la emoción y desde la emoción a una
nueva dimensión significante que procesa el espectador (como en el caso de los
ideogramas jeroglíficos japoneses o chinos).
PERRO + BOCA = LADRAR
CORAZÓN + CUCHILLO = DOLOR
Ejemplo:
Secuencia de las escaleras de Odessa en El Acorazado de Potemkin, S.M. Eisenstein, 1925.
Secuencia de las escaleras de Odessa en El Acorazado de Potemkin, S.M. Eisenstein, 1925.
Eisenstein propuso un nuevo procedimiento para hacer frente a los
modelos de narración naturalistas: “El libre montaje de acciones (atracciones)
arbitrariamente elegidas, independientes (incluso fuera de la composición dada,
y de la vinculación narrativa de los personajes), pero con una orientación precisa
hacia un determinado efecto temático final”.
Está convencido de que el choque de dos imágenes contrapuestas permite
la aparición de un tercer elemento cualitativamente distinto, que le permite al
espectador paras de un shock
emocional (el pathos) a la construcción del concepto.
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